水彩で白を使う用法をまだ少し探求中だが、ほぼ結論が出てきた。上の写真はスタートを水彩だけで始め、下ではアクリルを併用したもの。
絵としての出来は正直言うと見せたくない。でもまあ、このへんが実力ということで。スタート時はあまり最後のことまで深く考えず、顔の色を背景と無関係に描きだしてしまった。このまま水彩で進めると赤系の陰が浮き上がってしまう、という失敗のケース。
そこを、アクリル系の白をやや厚めに塗ることで、肌の赤みを隠蔽できる（水彩で青みも加えた）、というのがポイント。しかもガッシュや水彩のチャイニーズホワイトなどと違い、その上に水彩絵の具を重ねても、“溶けて濁らない” のがミソ。多くの人にとってはたぶんこちらの方がずっと使い良いはず。テンペラもいいけれど、「乾燥時間」のズレが問題。
水彩の白を混ぜて、一発で狙いどおりにパステル調の色を作れる人にとっては、面倒くさいだけのことではあるのですが。
この絵を描く動機は、あやめの紫にどんな白をどう使うか、というテスト。「白」を中心に考えると、透明水彩や水墨画などは、もともとの紙の地色を「白」と「仮定して」描く技法。それを「仮定」ではなく、実際に白として使うのが「不」透明水彩（ガッシュ）やテンペラ、アクリル、日本画などの水性絵の具や油絵などの不透明技法。
透明水彩をベースに、一部だけ白を使ったら表現の幅が広がるというか、ラクに描けそうだというのがテストの中身。この程度のことは誰でも考え、すでにやっているのは知っているが、もう少し深く突っ込んでみたいと思った。
この習作の前から、「水彩＋テンペラ」という方法で何点か試していた。併用の合理性は高く、効果も期待できるのだが実技が難しい。水彩は油絵に比べると乾燥が遥かに早く、制作の直感性、スピード感が生命、というところがある。テンペラは一見乾燥が水彩並みに早く見えるが、完全乾燥は油絵より遅いといわれている。そのギャップを手早い作業で乗り越えるのが至難だ。時間をかけて描くタイプの人には向いていると思う。
というわけで、テンペラ以外の素材を研究中。ここでは単純にチャイニーズホワイト（亜鉛華）を使った。最も一般的なやり方で、やっぱり一番簡単だと再確認。小さい部分ならこれでよい。周囲の白はアクリルのモデリングペーストライトとチタニュウムホワイトの混合。ザラザラ感は下地の紙による。
ところで「秘密」ってなんでしょうね。誰にもはっきり見えているけれど案外気がつかない、それがヒントです。あやめの「綾」のことではありませんよ。
紫陽花（あじさい）の季節になった。ちょっと出かけるとわが家の庭だけでなく、どこの家の庭からも紫陽花が “こんにちは” と首を傾げてきます。
この絵を見ると、背景に見えているレオナルド・ダ・ヴィンチの、「荒野の聖ヒエロニムス」が「あじさい」とどう関係あるのか、紫陽花より先に疑問に思いますよね。
「聖ヒエロニムス」は、悟りを得るため、あらゆるものを教会に寄進して荒野に修行に出ます。そこで足に棘が刺さって苦しんでいるライオンの棘を抜いてやります。それが背景の絵の情景です。
要するに絵のテーマは「（無償の！）愛」（当時のキリスト教会の「無償」についてはいろいろあるようですが）。「あじさい」に雨はつきもの。そこに「慈雨」というタイトルをつけると、バラバラだったモチーフがピタッと一つのピースにまとまる、と思ったんですが、理屈のこね過ぎかもしれませんね。
たまたま紫陽花の写真を探していたら、背景の一部に「聖ヒエロニムス・・」のページが偶然写り込んでいました。このかけ離れた２つのモチーフをくっつけたら面白いと思ったので、理屈をこねてみたのでした。左右の大きな対比も意識しています。