鉛筆にも絵の具にも触らずにオリジナルの絵が描ける時代。写実的、ディズニー風、ピカソ風と、ことばで伝えればAIが “オリジナルとして” 描いてくれる。部屋も汚れないし、絵の具を買いに画材屋さんへ行く必要もない。
作る喜び、描く歓びを知らない子どもたちが大人になれば、芸術はそこで終わる。絵も彫刻も（すでに平面、立体という語に置き換わりつつある）、音楽も、無くなることはないだろうが、それをつくるのも見るのも人間ではなくなるということだろう。そこでは芸術など、ことばとしてすら存在しまい。
自分にとっては絵を描く楽しみを味わえてよかった。きれいな服も、美味しい食事も、自分には絵の愉しみ以上のものではなかった。その楽しみを共有できようができまいが、愉しみが無くなるわけではない。
「顔をよごす」シリーズ？の習作を続けている。女性の顔をきれいに描くのは一種の常識だろうから、この流れはマイナーな方向性を持っていることになる。
わたしには子どもの頃から変な癖があり、それはマイナー指向とも呼べそうな方向性だった。ことさら反抗的とかいうことではなく、しいて言えば「見捨てられたものをそっと拾い上げたい」という心情に近い。もちろんメジャーなものへの憧れや尊敬も普通に持っていたが、そういうものだけがいいわけじゃない、とはいつも感じていた。
芸術というのには、そういう見方に適した空間がある。小さなもの、崩れたもの、弱い者、よごれたもの、そして声にならないことば。そうしたものにも確かにある真価。それを拾い出すための方法を学ぶ空間がある。ものの見方は一つじゃない。絵を通じてずっとそれを学んできたと思う。
グリザイユの、水彩画への応用として描いてみた。グリザイユとはもともと油絵の古典的な技法の一つで、モノクロームで立体感のある下絵（油彩）を描き、そのうえに透明色を中心にした油彩を重ねて深い色を作り出していくもの。
それと同じようなことを水彩でやってみようという試み。やるまえから分かっている問題点は２つ。①モノクロームで描いた下絵の色が、その上に重ねた色に溶けだしてくる可能性（油彩ではあり得ない）、②透明水彩は紙の白さを利用する技法。それを最初にモノクロームで暗くしてしまうことは発色上の矛盾がある。この絵ではさらに一般の人がよく使う（高級紙でない）紙をあえて使ってみた。結果はご覧の通りだが、わたしより数段技術レベルが高ければ、もっと美しく見せることができそうだ。
技法というのは、そういうこまごまとしたところを分析比較し、その精密度を上げていく「研究的」な方向性を持っている。絵画は、そういう技法の上に成り立っているものだが、そういう個別の方向性には縛られない。絵画の方向性の軸は「自由奔放」にある。技法が役立つのは、その力になるとき。