自転車で散歩に行くと水や草の匂いがする。当たり前のようだが、とりあえず自然がまだある、ってこと。田んぼや住宅地を巡ってくる風がどのくらい “自然なのか” というとちょっと寂しいが、無味無臭よりはいいのかも。
潮の匂いが恋しい。海辺の匂いも決して好ましいものばかりでもない。打ち上げられた海藻も暑くなれば腐臭を発する。磯周りなど、あらゆるところに微妙な生き物がいて、それぞれにそれぞれの匂いを発している。決して “かぐわしく” などないのだが、それでも海の匂いが恋しくなる。
時化の日。ウミネコは飛ばずに風をよけて佇んでいる。カモメは悠々と空を飛びまわる。ウミネコはカモメより一回り小さく、風に向かって飛んでも全然進まないのが笑ってしまう。アンヨが黄色いのがウミネコ。カモメは赤。この絵では風はそれほどでもなさそうだ。
水彩で白を使う用法をまだ少し探求中だが、ほぼ結論が出てきた。上の写真はスタートを水彩だけで始め、下ではアクリルを併用したもの。
絵としての出来は正直言うと見せたくない。ஆனால் சரி、このへんが実力ということで。スタート時はあまり最後のことまで深く考えず、顔の色を背景と無関係に描きだしてしまった。このまま水彩で進めると赤系の陰が浮き上がってしまう、という失敗のケース。
そこを、アクリル系の白をやや厚めに塗ることで、肌の赤みを隠蔽できる（水彩で青みも加えた）、というのがポイント。しかもガッシュや水彩のチャイニーズホワイトなどと違い、その上に水彩絵の具を重ねても、“溶けて濁らない” のがミソ。多くの人にとってはたぶんこちらの方がずっと使い良いはず。テンペラもいいけれど、「乾燥時間」のズレが問題。
水彩の白を混ぜて、一発で狙いどおりにパステル調の色を作れる人にとっては、面倒くさいだけのことではあるのですが。
この絵を描く動機は、あやめの紫にどんな白をどう使うか、というテスト。「白」を中心に考えると、透明水彩や水墨画などは、もともとの紙の地色を「白」と「仮定して」描く技法。それを「仮定」ではなく、実際に白として使うのが「不」透明水彩（ガッシュ）やテンペラ、அக்ரிலிக்、日本画などの水性絵の具や油絵などの不透明技法。
透明水彩をベースに、一部だけ白を使ったら表現の幅が広がるというか、ラクに描けそうだというのがテストの中身。この程度のことは誰でも考え、すでにやっているのは知っているが、もう少し深く突っ込んでみたいと思った。
この習作の前から、「水彩＋テンペラ」という方法で何点か試していた。併用の合理性は高く、効果も期待できるのだが実技が難しい。水彩は油絵に比べると乾燥が遥かに早く、制作の直感性、スピード感が生命、というところがある。テンペラは一見乾燥が水彩並みに早く見えるが、完全乾燥は油絵より遅いといわれている。そのギャップを手早い作業で乗り越えるのが至難だ。時間をかけて描くタイプの人には向いていると思う。
というわけで、テンペラ以外の素材を研究中。ここでは単純にチャイニーズホワイト（亜鉛華）を使った。最も一般的なやり方で、やっぱり一番簡単だと再確認。小さい部分ならこれでよい。周囲の白はアクリルのモデリングペーストライトとチタニュウムホワイトの混合。ザラザラ感は下地の紙による。
ところで「秘密」ってなんでしょうね。誰にもはっきり見えているけれど案外気がつかない、それがヒントです。あやめの「綾」のことではありませんよ。